От Дюрера до Матисса
Краткий экскурс в историю европейского рисунка XV–XX веков
В 2020 году в ГМИИ им. А.С. Пушкина работала выставка «От Дюрера до Матисса». Экспозиция охватила пять веков истории европейского рисунка — с конца XV до середины XX столетия — и объединила лучшие работы мастеров разных национальных школ: Дюрера, Рембрандта, Брюллова, Дега, Ван Гога, Кандинского, Пикассо, Малевича, Шагала и других выдающихся художников.
В совместном спецпроекте со специалистами Пушкинского музея мы рассказываем, как менялось искусство европейского рисунка XV—XX веков. Знакомьтесь с ключевыми работами каждого столетия и рассматривайте их в деталях.
«Экспонаты выставки дают представление о том, как на протяжении веков менялась эстетика рисунка, о многообразии графических техник и типов рисунка, о стилях и манерах рисования, отличающих работы мастеров разных национальных школ. Но главное, что может дать зрителю эта выставка, — это возможность своими глазами увидеть редко экспонируемые произведения, пережить радость знакомства с подлинниками». Виталий Мишин, куратор выставки, ведущий научный сотрудник Отдела искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков ГМИИ им. А.С. Пушкина, хранитель французских рисунков в отделе графики ГМИИ
Рисунки итальянских и немецких мастеров конца XV — XVII веков
Расцвет итальянского рисунка пришелся на период Высокого Возрождения — конец XV — первую треть XVI века. В это время сформировался определенный метод создания живописного произведения: замысел авторы разрабатывали в эскизах композиции и в этюдах отдельных фигур, голов, рук, драпировок. Художники начали все чаще создавать рисунки с натуры, а не «из головы», как было принято раньше. Итальянские мастера в начале XVI века продолжали пользоваться традиционным серебряным штифтом, однако все большее предпочтение отдавали мягким материалам — сангине и черному мелу.
Появились и новые типы рисунка. Например, анатомический, с помощью которого Леонардо да Винчи, Микеланджело и другие авторы исследовали строение человеческого тела. Благодаря этому рисунок стал важным средством познания мира, областью экспериментов и даже проектирования.
Экспонат: «Голова молодого святого» Сольяни
Особенно полюбился живописцам и рисовальщикам прием «сфумато» — смягчение очертаний фигур и предметов. Его разработал и часто использовал в своих работах Леонардо. Подобное мягкое распределение света и тени прослеживается в рисунке Антонио Сольяни «Голова молодого святого».
Этот подготовительный этюд для головы молодого святого в алтарном образе «Мадонна делла Чинтола со святыми Фомой, Иоанном Крестителем, Миньято, Франциском и Иаковом» Сольяни написал в 1521 году. Сейчас алтарный образ находится в музее Сан-Марко во Флоренции.
Сюжет происходит из апокрифических евангелий. По легенде, апостол Фома, отказавшись верить в вознесение Богоматери, потребовал открыть гроб с ее телом. Гроб был пуст, и Фома поднял глаза к небу, где ему явилась сама Мадонна и протянула пояс от своего платья, чтобы убедить неверующего апостола. Именно эту сцену Сольяни поместил в центр алтарной композиции, а по обеим сторонам изобразил святых.
Рисунок из собрания ГМИИ — это этюд головы одного из святых, который стоит рядом с Иоанном Крестителем. Джорджо Вазари, автор жизнеописаний итальянских художников, считал, что у Сольяни был талант к изображению «прекрасных голов».
Немецкие художники конца XV—XVI веков предпочитали рисовать пером и кистью с использованием белил на грунтованной бумаге, тонированной зеленым или красновато-коричневым цветом. Большую часть немецких рисунков этого периода составляли рисунки «из головы» — композиционные листы и рисунки отдельных фигур.
Исключением были работы мастера немецкого Возрождения Альбрехта Дюрера. Художник считал своим главным учителем природу и потому рисовал с натуры растения и животных, делал этюды рук и драпировок, изучал различные позы.
Экспонат: «Танцующие и музицирующие путти с античным трофеем» Дюрера
Путешествуя по Италии, Дюрер создавал рисунки с гравюр известных итальянских мастеров. Именно после знакомства художника со стилем и практикой итальянских коллег на его рисунках стали появляться обнаженные фигуры. Дюрера интересовало не только строение тела, но и гармония пропорций и разнообразие поз, которые может принимать одна и та же фигура.
Яркий пример подобного рисунка — лист «Танцующие и музицирующие путти с античным трофеем», созданный Дюрером около 1495 года. Путто — это художественный образ маленького мальчика, который восходит к мифологическим купидонам. В эпоху Возрождения образ стал символом гедонизма — наслаждения жизнью. В Италии, искусство которой оказало большое влияние на Дюрера, путти часто изображали на картинах, триумфальных арках и даже надгробиях.
В Россию эта работа попала благодаря действительному статскому советнику Матвею Окулову. В 1810-х годах он служил адъютантом великого князя Михаила Павловича в Европе и приобрел там первые произведения для коллекции, которая хранилась в его подмосковной усадьбе Ермолово. После революции коллекцию и библиотеку Окулова национализировали, большая часть предметов исчезла в недрах Государственного музейного фонда, часть сгорела при пожаре в имении, и только несколько работ остались у наследников. В 1922 году они распродали сохранившиеся произведения искусства — так «Танцующие и музицирующие путти» оказались у коллекционера Алексея Сидорова. Вместе с остальной коллекцией западноевропейской графики он передал рисунок в дар ГМИИ в 1969 году.
В XVI веке рисунок постепенно начал обретать самостоятельное художественное значение. Начиная с 1530-х годов итальянские художники (а также и многие немцы, которые уезжали творить в Италию) работали не столько над точными рисунками с натуры, сколько над воплощением на бумаге собственных отвлеченных идей и воображаемых образов. Они во многом вдохновлялись искусством Микеланджело и поздними творениями Рафаэля. Так возникло новое течение в искусстве — маньеризм.
Рисунки художников этого периода отличались изяществом. Для работ маньеристов были характерны красивые формы, элегантные позы, вытянутые пропорции фигур, сложные композиционные построения и декоративный характер линий. Подобная маньеристическая традиция рисунка была характерна для всех главных европейских школ XVI и даже первой четверти XVII века.
Ближе к концу века маньеризм сменился итальянским академизмом. Его началом принято считать основание в 1585 году в Болонье «Академии вступивших на правильный путь». В ней поощрялось не только копирование старых мастеров, но и рисование с натурщиков. Начинающим художникам надлежало изучать анатомию, перспективу, геометрию и архитектуру. А основными материалами художников-академистов были черный и белый мел, перо и сангина.
Произведения, созданные в XVII столетии в Голландии и Фландрии
Главой фламандской школы в XVII веке был Петер Пауль Рубенс. Он создавал рисунки с произведений Микеланджело и Леонардо, анатомические и пейзажные работы, эскизы и наброски к будущим произведениям.
Значительную часть рисунков Рубенса составляли этюды голов и фигур, исполненные с натуры. Несмотря на то что художник пользовался услугами профессиональных натурщиков, его работы никогда не выглядели постановочными. Они были просты, органичны и естественны.
Рубенс часто создавал рисунки в «два карандаша» — в характерной технике итальянских мастеров, основанной на сочетании сангины и черного мела.
Экспонат: «Кентавр, покоренный Амуром» Рубенса
Во время путешествия по Италии в 1605 году Рубенс создавал рисунки с известных античных скульптур, рельефов и бюстов. Так, в Риме художник увидел статую «Кентавр, покоренный Амуром». Эта римская мраморная копия скульптуры II века до нашей эры располагалась в палаццо кардинала Шипионе Боргезе, который покровительствовал Рубенсу. Фламандский мастер одним из первых зарисовал эту статую в ее первозданном виде.
В рисунке Рубенс уделил основное внимание проработке форм и объемов, созданных с помощью мягкой и легкой штриховки черного мела. Живописец стремился не просто перенести скульптуру на бумагу, а передать ее живой и чувственный образ. Потом Рубенс несколько раз использовал подобную композиционную идею и образ страдающего кентавра в своих картинах — «Ахилл и Хирон», «Похищение Деяниры» и других.
В наши дни эту статую можно увидеть в Лувре, правда, не в том виде, в каком ее изобразил Рубенс. Французский скульптор XVI—XVII веков Никола Кордье отреставрировал «Кентавра» и дополнил утраченные части: левую руку и правую переднюю ногу кентавра, а также руки и крылья Амура.
В рисунках голландских мастеров XVII века ключевую роль играл пейзаж. Рисовальщики этого периода создавали, как правило, законченные графические композиции, не предназначенные для дальнейшего использования в картинах. Над рисунками голландские мастера чаще всего работали в мастерских: воплощали в них переработанные натурные впечатления. Мастера той эпохи отдавали предпочтение черному мелу, перу и акварели.
Экспонат: «Набросок женщины с ребенком на руках» Рембрандта
Один из самых известных голландских мастеров XVII столетия — Рембрандт ван Рейн. Он постоянно делал наброски с натуры и всегда носил с собой перо, чернильницу и бумагу. Рембрандт создал множество рисунков: портретные зарисовки, пейзажи, рисунки животных, этюды обнаженных тел и мимики, композиционные рисунки. Когда художнику исполнилось 50, его графические работы составили целых 20 альбомов.
Рембрандт был мастером лаконичных и беглых набросков. Он часто запечатлевал сцены из семейного быта. К их числу относится и «Набросок женщины с ребенком на руках», представленный в экспозиции.
Для этого рисунка, как и в целом для графических работ Рембрандта 1650-х годов, характерны отрывистые прямые линии и скупая штриховка. Эксперты предполагают, что эту зарисовку художник использовал в работе над офортом (гравюрой на меди) «Христос перед народом». Этот рисунок также мог быть частью большого листа с набросками. Подобные листы часто разрезали антиквары, чтобы продать сразу несколько рисунков Рембрандта, а не один.
Рисунок XVIII века во Франции
В XVIII веке рисунок обрел большую самобытность и художественную ценность. Французские мастера этой эпохи все чаще прибегали к графике, а многие из них полностью посвятили себя исключительно рисунку. Они рисовали сангиной или в технике «трех карандашей», основанной на сочетании белого, черного и телесного (или рыжего) цветов.
Экспонат: «Актер в костюме Криспена» Антуана Ватто
Среди всех французских рисовальщиков XVIII века искусствоведы выделяют Антуана Ватто за его неповторимый графический стиль. Один из первых биографов художника, граф де Келюс, писал, что обычно он «рисовал без определенной цели», то есть большинство его зарисовок с натуры были самостоятельными произведениями и не предназначались для конкретных живописных полотен.
Ватто часто создавал на одном листе сразу несколько этюдов, изображая одну и ту же фигуру в разных ракурсах и поворотах. Как правило, это были самые простые, естественные позы — поэтому люди на рисунках Ватто выглядят живыми и настоящими, а не замершими в вычурных положениях натурщиками.
Художник много работал, накапливал зарисовки и, «когда у него возникало желание написать картину, он прибегал к этому альбому… Здесь он выбирал фигуры, наиболее подходящие для данного случая. Из них он составлял группы». Поэтому взаимодействовать герои его рисунков начинали только на полотнах. Ватто часто переносил характерные фигуры из картины в картину, практически не изменяя.
Так, актера, изображенного на представленном в экспозиции рисунке, можно заметить на полотне «Приятный отдых» из Музея Эшмола в Оксфорде. Он изображен в роли Криспена — плутоватого слуги, традиционного комического персонажа французского театра. Этого героя отличает знаковый театральный жест — рука, лежащая на эфесе шпаги.
Одной из главных особенностей французского рисунка XVIII века была его завершенность. Художники все чаще создавали законченные рисунки, которые продавали коллекционерам и любителям искусства. Многие из таких работ даже выставлялись на парижском Салоне наряду с картинами.
Порой французская графика была даже выразительнее живописи. Художники, работая над этюдами и другими рисунками «для себя», ощущали большую свободу и потому смело экспериментировали: пользовались необычными художественными приемами и обращались к новым темам, нарушали академические правила и отходили от традиционного стиля.
Экспонат: «Руины с обелиском» Робера
Многие французские мастера XVIII века посещали Италию. Там они создавали натурные наброски с видами местных парков, античных сооружений и величественных развалин. Позднее авторы использовали материалы при создании картин и графических композиций. Это дало толчок развитию французского пейзажа.
Одним из художников, увлекшихся итальянскими видами, был Юбер Робер, которого прозвали «живописцем руин». Французский пейзажист прославился как мастер масштабных полотен, которые изображали античные руины в окружении романтической природы. Рисунки Робер создавал, комбинируя работу пером и кистью черным тоном с акварелью. Такая техника придавала изображению изящество, легкость и декоративность.
Акварель, представленную на выставке, Робер написал в 1776 году в Париже. До этого он много лет прожил в Риме и уже во Франции продолжал использовать мотивы итальянской архитектуры в своих произведениях.
В рисунках художника наброски, сделанные с натуры, обрастали выдуманными деталями. Египетские обелиски вроде того, что изображен в этой акварели, действительно можно было увидеть в Риме на площадях. Прообразом античного сооружения, скорее всего, послужил храм Сатурна на Римском форуме. Правда, Робер увеличил число колонн, а еще поменял их форму.
Античные сооружения на рисунках Робера, разрушенные временем и природой, напоминали о величии прошлого и служили отражением быстротечности жизни.
Рисунки XIX века во Франции и России
Развитие европейского и русского искусства в первой половине XIX века было тесно связано с романтизмом. Это направление отличали повышенный интерес к человеку как к личности, эмоциональное отношение к природе, свобода самовыражения и творческого поиска, обращение к героическим сюжетам и идеалам прошедших эпох.
Европейские художники-романтики рисовали с натуры, особенно во время путешествий по экзотическим странам. Многие живописцы привозили из своих поездок целые альбомы, заполненные не только рисунками, но и путевыми заметками.
Романтики создавали и этюды, и законченные графические произведения, в основе которых лежали либо ранние зарисовки, либо воспоминания от путешествий, приправленные фантазиями. Один из ярких примеров — «Ночь (Спящая турчанка)» Карла Брюллова, представленная в экспозиции.
Экспонат: «Ночь (Спящая турчанка)» Брюллова
Брюллов создавал самые разные графические работы: и беглые композиционные наброски, выполненные пером, и штудии натурщиков, созданные черным мелом, и этюды отдельных фигур, и жанровые сценки из жизни итальянцев, выполненные акварелью.
Романтическую сцену «Спящая турчанка» Карл Брюллов написал в 1839 году. Восточные сюжеты в творчестве художника появились после поездки в Турцию. Друг и спутник художника в Константинополе князь Григорий Гагарин, вспоминал, что живописца «все приводило… в восхищение. По целым дням Брюллов не оставлял константинопольских улиц и базаров и только поздним вечером возвращался в нашу общую комнату».
Однако подобные жанровые сценки Брюллов, мастер с академической выучкой, не писал с натуры. Они были плодом воображения художника, вдохновенного колоритом экзотической страны. Именно поэтому поза спящей турчанки выглядит изящной, но несколько искусственной, а ее лицо имеет совершенные классические черты.
В середине XIX века на смену романтизму пришел реализм. Все больше художников критиковали академические нормы и правила и провозглашали новые задачи искусства. Основной целью художников-реалистов стало создание произведений максимальной степени правдивости — то есть отражающих жизнь такой, какая она есть, без прикрас.
Однако переход к реализму был не единственной реакцией на устаревающее академическое искусство. В 60-х годах XIX века возникло еще одно новое течение, получившее название «импрессионизм» — от французского слова «впечатление». Импрессионисты изображали явления повседневной жизни во всей их красоте и многообразии. Большинство художников работало на пленэре (то есть на природе) сразу на холсте, поэтому к графике они обращались не так часто.
К середине 80-х годов XIX века многие французские художники стали отходить от принципов импрессионизма. На смену ему пришел постимпрессионизм. Мастера этого направления стремились изображать не мимолетные, а длительные состояния окружающего мира и жизни.
Экспонат: «Портрет молодой девушки» Ван Гога
Один из самых известных постимпрессионистов — нидерландский художник Винсент Ван Гог, который работал во Франции. Рисунки были важной частью его творчества. Чтобы сэкономить на материалах, художник покупал бумагу и чернила в ближайших магазинах, а перья для рисования изготавливал сам, обрабатывая тростник перочинным ножом.
Рисунки позволяли Ван Гогу быстро изобразить интересный мотив прямо на открытом воздухе или проработать необычную композицию, чтобы позже перенести ее на холст. Однако нередко Ван Гог создавал рисунки с собственных законченных картин и отправлял их брату или друзьям. Среди таких работ — «Портрет молодой девушки (Мусме)», созданный в Арле в 1888 году.
Это единственный рисунок Ван Гога, который хранится в России. Он связан с одноименной картиной из Национальной галереи в Вашингтоне. Исследователи считают, что рисунок был сделан с уже законченной картины. Ван Гог отправил его одному из друзей, чтобы тот мог представить, как выглядела новая работа художника. Для этого Ван Гог оставил по краю листа надпись, которая рассказывала о колорите картины и ее цветовой гамме.
Впрочем, представленная в экспозиции зарисовка — не точная копия картины, а скорее ее графическая вариация. Например, на живописном портрете иначе изображены очертания юбки и положение руки девушки.
В письме к брату Тео художник писал: «Знаешь ли ты, кто такие «мусме»? (Тебе это станет известно, когда ты прочтешь «Госпожу Хризантему» Лоти.) Так вот, я написал одну такую особу. Это отняло у меня целую неделю… Мусме — это японская или, в данном случае, провансальская девушка лет 12−14».
Многие художники того времени увлекались японским искусством, и Ван Гог не был исключением. Влияние японской графики заметно в его работах 1887−1889 годов — «Оливковая роща», «Сеятель». Живописец восхищался цветовой насыщенностью и органичной композицией японских эстампов.
XX век в рисунках
Искусство рисунка в ХХ веке стало невероятно разнообразным. Он продолжал выполнять традиционные функции этюда, эскиза и наброска, однако постепенно рисунки стали воспринимать как автобиографические документы: в них отражались личность, основные этапы жизни художников, их интересы, творческий опыт, взгляды на окружающий мир и на искусство.
В этот период европейские художники вели творческие поиски сразу в нескольких направлениях. Их интересовали вопросы формы, выразительность цвета и линии, эмоциональное воздействие на зрителя. Творцы искали современные темы, которые могли отразить действительность, разрабатывали новые изобразительные приемы.
Экспонат: «Композиция с черепом», эскиз картины Пикассо
Пабло Пикассо, один из самых известных художников XX века, создал множество графических работ. Он рисовал карандашом и пером, тушью и углем, пастелью и сангиной, акварелью и гуашью. Работая над эскизами к картинам, художник особое внимание уделял композиционному и колористическому решению.
Рисунок Пикассо «Композиция с черепом», выполненный гуашью, — это эскиз одноименной картины из бывшей коллекции Сергея Щукина, которая в наши дни хранится в Эрмитаже. Рисунок выглядит экспрессивным из-за сочетания беспокойного ритма линий и звучных, насыщенных тонов. Некоторые исследователи считают, что это произведение стало художественным откликом Пикассо на глубоко поразившее его событие: самоубийство в 1908 году немецкого художника Карла-Хайнца Вигельса, с которым Пикассо жил в одном общежитии на Монмартре.
Эта работа Пикассо включает традиционные элементы барочного жанра ванитас — аллегорического натюрморта с черепом, который был популярен в XVII веке. Так, трубка, книги и набросок палитры символизируют мирские удовольствия, а череп служит мрачным напоминанием о тщете всего сущего и неизбежности смерти.
Цвет и сила его эмоционального воздействия имели большое значение для многих художников ХХ века. Особенно для Василия Кандинского — основателя и теоретика абстрактной живописи. С помощью цвета, разнообразных форм и линий Кандинский стремился выразить свой внутренний мир, душевное состояние.
Интересовала художника и проблема синтеза искусств. В своих произведениях — композициях и импровизациях — он искал параллели между цветом и звуком, линией и ритмом. Пример такой работы — «Композиция Ж (Голосу)».
Экспонат: «Композиция Ж (Голосу)» Кандинского
Акварель, известную также под названием «Незнакомому голосу», Василий Кандинский написал под впечатлением от случайного телефонного разговора. На том конце провода художник услышал молодую девушку — Нину Андреевскую — и сразу влюбился в ее голос. Через несколько месяцев они встретились, а меньше чем через год поженились.
Существует другой вариант этой же абстрактной композиции. В акварели «Одному голосу», которая датируется временем первой встречи Кандинского и Андреевской, художник несколько изменил колористические и пропорциональные отношения.
Самым крупным русским авангардным объединением стал «Бубновый валет», возникший в 1911 году. Его участники стремились обновить формально-пластический язык изобразительного искусства и соединяли в своем творчестве достижения французских художников начала XX века с традициями русского народного искусства, искусства Востока, наивного и примитивного искусства. Так, в карандашных натюрмортах Петра Кончаловского можно найти отсылки к творчеству Поля Сезанна, Аристарх Лентулов в архитектурных пейзажах часто прибегал к приемам кубизма, а в графических работах Наталии Гончаровой присутствуют черты многочисленных западноевропейских течений конца XIX — первой четверти XX века.
Экспонат: «Пляшущая баба» Гончаровой. Эскиз костюма к опере «Сорочинская ярмарка»
Среди рисунков Гончаровой, исполненных акварелью, гуашью, пастелью, графитным или черным карандашом и углем, особое место занимают эскизы декораций и костюмов для театральных постановок труппы «Русского балета» Сергея Дягилева.
Работая над эскизами костюмов, художница всегда изображала фигуры в движении. Характерная манера рисования Гончаровой, размашистая и экспрессивная, придавала ее работам живость, музыкальность и ощущение ритма.
В разные годы Гончарова также оформила несколько постановок «Сорочинской ярмарки» на музыку Модеста Мусоргского. Однако неизвестно, создавала ли художница новые эскизы костюмов для каждого нового спектакля — поэтому сложно точно датировать этот рисунок. Эксперты предполагают, что эскиз «Пляшущая баба» Гончарова выполнила специально для гастролей одной из русских трупп в Буэнос-Айресе в 1932 году.
Портал «Культура.РФ» благодарит за помощь в подготовке спецпроекта: Виталия Мишина, куратора выставки, ведущего научного сотрудника Отдела искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков ГМИИ им. А.С. Пушкина, хранителя французских рисунков в отделе графики ГМИИ; Надежду Субботину, младшего научного сотрудника Отдела графики ГМИИ им. А.С. Пушкина.
Верстка: Кристина Мацевич
Хочешь стать одним из более 100 000 пользователей, кто регулярно использует kiozk для получения новых знаний?
Не упусти главного с нашим telegram-каналом: https://kiozk.ru/s/voyrl