Покрас Лампас — о вандализме, визионерстве и любимой музыке
Покрас Лампас рассказал «РБК Стиль» о ценах на свои работы, коллаборацию с Comme des Garçons, о спросе на каллиграфутуризм на Востоке, а кроме того, поделился чувствами в тот момент, когда по его «Супрематическому кресту» проезжал асфальтоукладчик.
В конце ноября в прокат вышел документальный киноальманах «33 слова о дизайне» — совместный проект школы дизайна Bang Bang Education и Beat Film Festival. В кадре влиятельные российские дизайнеры размышляют об особенностях и границах национального восприятия красоты. Повествование замыкает Покрас Лампас, зачитывающий манифест о форме, композиции и свободе на фоне свеженаписанного «Супрематического креста» в Екатеринбурге. Вскоре после съемки городские власти закатают часть работы в асфальт, православные активисты взбунтуются против художника, Покрас вернется в Екатеринбург и уберет очертания креста. А затем развернет поп-ап-инсталляцию Upcycle The Future в ДЛТ, сделает арт для витрин Comme des Garçons по всему миру, выставит новые полотна на Шанхайской художественной ярмарке, распишет одну из китайских крыш фразой «Create What You Believe» — иными словами, продолжит работать на сверхскоростях, опровергая известную цитату «Обидеть художника может каждый».
— Начнем с фильма. Почему вы согласились в нем участвовать, если всячески ограждали себя от именования «дизайнер»? Например, в 2016-м вы читали лекцию «Бросайте дизайн!», в которой называли его мелочевкой. Как и почему отношение к дизайну изменилось, учитывая, что в фильме вы ассоциируете его со свободой?
— В «Бросайте дизайн!» я призывал прекращать проекты, которые сильно трансформируются под давлением заказчика. Говорил, что нужно отказываться от работы на дядю, менять рынок и, как следствие, само понимание дизайна. Художник может заниматься дизайном, что я доказываю собственным примером. Я всегда с интересом следил за развитием этой сферы в России. Пусть и не соприкасаюсь с местным рынком, знаю ведущие студии, ведущих игроков в области образования. Команда школы Bang Bang Education знакома мне давно: мы записали пару часовых лекций в 2017-м и в 2019-м. Поэтому мне было приятно поддержать их инициативу. К тому же ребята предоставили мне полную свободу, которую я считаю первостепенной в любом деле.
— Совсем недавно в подкасте у Эрика Рикии вы рассуждали о Канье Уэсте как о визионере. При этом вы сами визионер. Как считаете, реально ли воспитать в себе визионерство или это нечто врожденное, идущее рука об руку с талантом?
— Визионерство не может быть врожденным — это качество именно что приобретают. Чтобы стать визионером, нужно быть образованным, максимально открытым к новым технологиям, понимать, что происходит сейчас, предугадывать тренды, отслеживать взаимодействие трендов и технологий, формирование той или иной культурной среды и пересечение моды, дизайна, живописи — любых видов искусства. Задача художника, собственно, стать визионером, чьи идеи и действия как триггер меняют общественное сознание.
— А у вас были визионерские промахи? Скажем, когда вы делали ставку, что тот или иной элемент вашего творчества будет востребован в скором времени, но он не нашел отклика до сих пор? Можете рассказать о последнем удачном, сбывшемся «предсказании»?
— Что касается трендов, которые я предвидел, тут правильнее говорить о «широких штрихах»: вот появился холст в стиле каллиграфутуризм, через год он перетекает в коллаборации с брендами, через два года под хештегом #каллиграфутуризм появляются десятки тысяч работ молодых вдохновившихся художников. Если говорить об идеях, на которые пока не откликнулись, то все упирается в работу с технологическим обеспечением, пока недоступным зрителю. Любой VR-проект неразрывно связан с возможностью его транслировать, а развитие платформ виртуальной реальности хромает, VR-шлемы создаются медленно, вот работы и не доходят до общества. То же самое, кстати, с экспериментальными полотнами, нацеленными на контекст будущего. Те, что я написал два-три года назад, оценят только через пять-десять лет — они должны пройти закалку временем и доказать свою устойчивость.
— А какая из работ ждала своего часа дольше всего?
— Одной нет — это эскизы для коллабораций в фэшн-индустрии. Сами понимаете: от разработки принта до презентации коллекции на неделе моды проходит полгода, до покупателя одежда доходит еще через год. Например, зачатки эскизов к коллабу с Dries Van Noten были готовы в 2013-м. В агрегаторы контента они попали только в 2015-м, их заметила команда бренда, коллекция вышла в 2017-м, а до покупателей дошла только в 2018-м.
— Кстати о коллаборациях. Есть ли черта, после которой сотрудничество художника с брендом перестает быть взаимовыгодным и происходит перекос, при котором художник явно бренду нужнее, чем наоборот? Условно, не ощущаете ли вы, что «Яндекс.Станцию» или палетку M.A.C купили не потому, что бренд классный, а потому, что Покрас руку приложил?
— Искусство действительно интегрируется в маркетинг бренда — это взаимовыгодное сотрудничество: бренду важно создавать дополнительные ценность и смысл продукта, а художнику — осваивать новую платформу. Что касается, например, M.A.C: ни один их продукт не выпускается просто так. Вкупе идет съемка, некий перформанс. Покупая их палетку, человек поддерживает бренд, который поддерживает художника, что стимулирует бренд к более смелым коллаборациям в будущем. Очень здоровая экосистема, на мой взгляд. «Яндекс» же помимо лимитированной серии колонок выпустил вместе со мной манифест о связи искусства и технологий — это не менее важно.